色彩是世界的衣裳，而黑白是世界的骨骼。当一位摄影师选择抛弃色彩，他不是在舍弃什么，而是在索要更多——索要形状最纯粹的宣言，索要光影最坦白的对峙，索要皮肤之下那层无法被任何口红或眼影替代的、属于灵魂本身的质感。贝纳姆·霍拉姆沙希正是这样的索要者。
在他的黑白人像摄影中，红唇失去了它的热烈，金发失去了它的奢华，蓝色眼眸失去了它的忧郁——它们全部被还原成三个最朴素也最浩瀚的词汇：黑、白、灰。你以为是损失，实际上你得到的是自由。没有了色彩的分心，你的目光不得不直直地撞进画面最深处：一道颧骨上的高光，一段颈侧下沉的暗影，一根发丝在逆光中燃烧成银白色的轮廓。这些，才是人像的真相。“感受、想象和控制”，霍拉姆沙希把这六个字当作开启黑白人像摄影的三把钥匙。先说感受。黑白不是滤镜，不是后期软件里一个去色的命令。它是一种观看方式，要求摄影师在按下快门前，就已经在脑子里完成了色彩的转译。霍拉姆沙希显然具备这种天赋。他能在一张涂着红唇的脸上看见那抹红会变成什么样的灰——是接近黑的深灰，还是几乎发白的浅灰？他能预判一条墨绿色丝绒连衣裙在黑白画面中会与裸露的肌肤产生怎样的灰度碰撞。这种感受力不是计算，是直觉；不是技术，是本能。再说想象。想象是感受的延续，也是它更冒险的兄弟。当大多数摄影师满足于记录“眼前有什么”的时候，霍拉姆沙希在捕捉“眼下藏着什么”。他拍一个侧身回眸的女人，画面中她的右脸完全沉没在黑暗中，仅有的光线从左后方勾勒出肩胛骨和下颌线的银色边缘。那个黑暗不是光的缺席，而是想象的在场。你盯着那片暗部越久，越觉得里面有某种东西正在呼吸——可能是她垂下的发梢，可能是她未说出口的一句话。霍拉姆沙希深谙一个道理：在黑白摄影中，看不见的部分和看得见的部分同等重要，甚至更加重要。最后是控制。这是从感性通往理性的最后一道门槛。没有控制，感受和想象只会制造混乱。霍拉姆沙希的控制力体现在他对影调极致的驾驭上。他的作品从不出现“脏”的灰度——那些浑浊的、分不清是黑是白是灰的中间调。他的画面永远干净、利落、充满决断：阴影该沉下去的地方毫不含糊地沉到近乎纯黑，高光该亮起来的地方爽快地亮到接近纸白。但在这两极之间，他又能铺展出极其丰富的中间层次——像一段钢琴演奏，既有雷霆万钧的低音键，又有清澈透亮的高音键，中间是无数个在空气中振动的泛音。他的照片还有一个令人着迷的特质：时间感是悬置的。你无法判断这些照片拍摄于哪个年代——模特的发型、妆容、服装都没有鲜明的时代印记。这可能是有意的选择：当色彩被抽离，所有属于某个具体年份的时尚符号都失去了辨识度，画面因此获得了一种超越时间的永恒性。这些女子不属于九十年代，不属于两千年代，不属于任何年代。她们属于光影本身。有人问霍拉姆沙希为什么执着于黑白人像。他的回答很简单：因为色彩会撒谎。想想也对。一条裙子可以是红色的也可以是蓝色的，一张嘴唇可以是豆沙色也可以是番茄色——色彩总是在喋喋不休地告诉我们“这是什么”。而黑白沉默不语，只是把一切交还给结构、交还给比例、交还给光线与阴影之间那场永恒的角力。在黑白的世界里，身体不再是时装、化妆品、发型发色共同编织的故事，它被剥到只剩骨架和皮肤、肌肉和骨骼、光落在曲面上的物理事实。这是最诚实的肖像，也是最勇敢的。霍拉姆沙希的黑白人像还有一个容易被忽略的特点：他极其善于处理皮肤与背景之间的灰度关系。很多摄影师在黑白人像中容易犯一个错误——皮肤太亮，背景太暗，或者相反，导致人物像贴上去的剪纸。霍拉姆沙希不是这样。他的背景灰度永远与人物的主光面或背光面形成对话：当人物面部受光充足时，背景往往选择中等偏深的灰度，既不抢夺视线，又不沦为死黑；当人物处于低调光效中，背景则可能出现意料之外的浅灰，给沉闷的画面打开一扇透气的窗。这种分寸感的拿捏，需要成千上万次的拍摄才能淬炼出来。说到底，贝纳姆·霍拉姆沙希的黑白人像教给我们一件事：美不需要颜色的加持。当一个女人被褪去所有色彩，剩下的那具由光和影构成的轮廓如果依然动人，那就是真正的动人。那不是口红带来的，不是眼影带来的，不是任何外在装饰带来的——那是骨头和皮肉之间、呼吸和静止之间的秘密，被一个懂得黑白的摄影师，用一次快门悄悄地窃取了。广瑞配资提示：文章来自网络，不代表本站观点。
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